Vintage Thai funk, Malay disco e Indonesian boogie son atesorados por los “crate diggers” internacionales. Pero los DJs del sudeste asiático pueden recibir quejas si tocan estos estilos en casa. Por Nyshka Chandran.
La música folclórica de Tailandia se ha alejado mucho de sus raíces rurales. Durante la última década, géneros como luk thung y molam se han vuelto enormemente populares en la cultura musical underground con proyectos de reedición, como el seminal de Soundway Records Sounds of Siam los repertorios se convierten en objetos de colección. Colaboraciones de alto perfil entre cabezas de cartel internacionales y actos molam también han aumentado el poder estelar del Thai folk: en 2018, Four Tet y DJ Nu-Mark tocaron en Bangkok con el legendario molam los artistas Angkanang Kunchai y Kwanjit Sriprachan.
Para la mayoría de los aficionados al funk, los tempos dinámicos de luk thung y molam ejercen un poder innegable en las pistas de baile. Pero era otra historia en Bangkok antes de la pandemia. «Si tocara esa música en un salón comercial, la gente podría dejar de bailar», dijo Pan Uttaburanont, un DJ afiliado a Olympic Diggers, un equipo de coleccionistas de cera y entusiastas de la alta fidelidad con sede en la capital tailandesa. Hablando conmigo antes de que el COVID-19 descarrilara la vida nocturna local, ella describió cómo “una cantidad sorprendente de la población de Bangkok todavía desprecia a luk thung y molam porque no se consideran modernos».
«En Tailandia, la gente siempre ha admirado la música occidental», explicó. Maft Sai, DJ tailandés, jefe de un sello discográfico, propietario de un local y cofundador de Paradise Bangkok Molam International Band. En 2009, lanzó una serie de fiestas llamadas Paradise Bangkok (que no debe confundirse con su banda del mismo nombre) que se centró en melodías de Tailandia, Oriente Medio y más allá. Maft, cuyo nombre real es Nattapon Siangsukon, recuerda que muchos lugareños en ese momento le preguntaban por qué promocionaba los sonidos del norte de Tailandia, a los que se referían como música de “taxista”.
Sentimientos similares reverberan en el sudeste asiático. Cuando las fiestas eran parte de la rutina semanal, varios DJs me hablaron de la reacción violentas de las multitudes contra los locales que tocaban canciones antiguas de música dance indígena. Malaysian DJ Kingston, parte del colectivo Ze Arcade Paint, describió una fiesta de Nochevieja de 2017 en un bar de moda en Penang. «En el local saben que toco funk y soul, así que después de tocar un poco de boogie estadounidense entré en el ‘city pop’ japonés y después lancé algunas pistas de Malasia, específicamente» Kebebasan» de Quinary M [una versión de «Le Freak» de Chic] y «Sani» de Uji Rashid [una versión de «Sunny» de Boney M]. Las canciones despejaron inmediatamente la pista de baile. Incluso escuché a la gente decir: ‘¿Qué diablos está tocando ese tipo?’ Luego, después de mi presentación, el gerente del bar me advirtió que no tocara demasiadas ediciones asiáticas desconocidas».
El DJ Arun R de Hong Kong, quien también es director comercial y creativo de Mixmag Asia, relató una experiencia en 2019. Estaba tocando en un concierto habitual en un bar suave speakeasy donde por lo general lanzan ediciones disco y ritmos afrolatinos. “El personal es en su mayoría nepalés, y una noche decidí tocar el maravilloso remix de Todh Teri “Come Closer” de Bappi Lahiri, un clásico de Bollywood”, dijo. “Dos miembros del personal se me acercaron de inmediato y me dijeron que el espacio no tiene música de Bollywood. Pero realmente, no debería importar de qué parte del mundo provenga la música. Disco es disco. Es su propio idioma».
El singapurense Nikhil Ramakrishnan, que produce pistas juke y footwork como Iyer, recordó un incidente en un club local en 2014, donde terminó una sesión DJ con “Home” de Kit Chan, una canción clásica asociada con el Día Nacional de Singapur. Iyer recuerda claramente la reacción negativa de sus compañeros: “Esa pista no fue para nada bien recibida. Mis amigos me dijeron que estaba fuera de lugar, pero tocar esa canción era una forma de conectarme con mi ciudad natal».
Estas historias son inquietantes, aunque no necesariamente indican una tendencia regional contra los ritmos locales. Artistas de Filipinas y Vietnam, por ejemplo, señalaron que las melodías tradicionales suelen recibir una cálida bienvenida. Según Aditya Permana, exdirector musical de hospitalidad y entretenimiento de la marca Syah Establishments, con sede en Yakarta, la música local se convirtió en parte de la cultura de los clubs en los últimos años. Antes de la pandemia, «géneros populares como dangdut se tocaron en eventos y festivales», dijo, «y el selector a veces también colaboraba con cantantes indonesios».
En definitiva, todo depende del lugar. La música alternativa, por definición, atrae a un público específico y solo se acepta en ciertos bares y clubes. Tanto en las ciudades asiáticas en desarrollo como en las más desarrolladas, la cantidad de espacios abiertos ha aumentado constantemente en los últimos años y son principalmente los locales comerciales los que imponen restricciones sobre el tipo de música que se reproduce. “Algunos superclubs de Yakarta impiden que los DJs toquen melodías indonesias, pero eso suele ser solo los fines de semana”, dijo Permana. Antes de la pandemia, él administraba tres locales que tenían ciertas reglas para los DJs, pero comentó que «las regulaciones cambian constantemente para mantenerse al día con las tendencias». Por ejemplo, The Moon en el Hotel Monopoli comenzó como un bar junto a la piscina con música house, pero más tarde pasó a R&B y dance-pop, dijo.
Las actitudes sociales hacia la música local reflejan la rápida transformación económica de Asia. A medida que la clase media obtiene más poder adquisitivo, sus preferencias de consumo están cambiando en medio de un mayor acceso a los bienes importados y a las experiencias internacionales.
“Indudablemente existe un deseo de modernidad en esta parte del mundo, pero no creo que ese deseo sea especialmente diferente de otros lugares”, explicó Benjamin Tausig, profesor asistente de etnomusicología en la Universidad Stony Brook de Nueva York. La especialidad de Tausig es investigar la intersección de los medios sónicos y la disidencia política en el sudeste asiático y América del Norte. “A menudo, la incorporación de elementos extranjeros en muchos países asiáticos no significa que renuncien a la cultura local, sino de que transforman productos e ideas extranjeras para satisfacer sus propios fines”, dijo Tausig. «Por ejemplo, molam ahora es extremadamente moderno, en el sentido de que utiliza tecnología de estudio, grandes espectáculos y crea estrellas en YouTube». Su argumento es que si los clientes de un bar de Kuala Lumpur quieren escuchar música popular internacional, eso no refleja una aversión por la música malaya, sino que indica cómo las tendencias globales, como el K-pop, han unificado los gustos transfronterizos.
Julien Poulson, músico de Phnom Penh, de la banda conocida internacionalmente The Cambodian Space Project, se hizo eco de este sentimiento. Hablando sobre conciertos anteriores al COVID, señaló que los espectáculos en la capital de Camboya eran «típicos de lo que encontrarías en cualquier ciudad del sudeste asiático, lo que significa reggae para complacer al público, bandas de covers y un poco de blues y jazz».
Observó que «parece haber menos interés en la música local y, en consecuencia, no hay suficiente exploración de todos los sonidos étnicos extraños y salvajes que son parte de las raíces culturales de la región». Es «muy difícil atraer audiencia para este tipo de música, a pesar de su importancia cultural», añadió. «Este tipo de eventos simplemente no son populares entre los lugareños, quienes prefieren escuchar este estilo de música en bodas o ceremonias, pero no están tan aceptados en conciertos».
Lentamente, la narrativa está cambiando, a medida que la música clásica y contemporánea de toda la región gana reconocimiento mundial. Los DJs, productores y audiófilos de Occidente también tienen un acceso más fácil al Thai funk, Malay disco y al Indonesian boogie de épocas pasadas, y muchas de estas rarezas ahora están disponibles en plataformas de streaming. A medida que las nuevas generaciones de oyentes de todo el mundo descubren la diversa gama de la paleta sónica de Asia, la demanda de vinilos se ha disparado. Los álbumes de las décadas entre 1960 y 1980 ahora tienen precios elevados: en 2019, la obra fundamental de 1983 Synthesizing: Ten Ragas To A Disco Bea del compositor indio Charanjit Singh, se vendió por casi 1.700 dólares estadounidenses en Discogs.
«Los europeos están descubriendo la música original del sudeste asiático, y esto ha aumentado el valor de nuestra historia musical, poniéndola de moda”, dijo Pan de Olympic Diggers. Señaló cómo Bangkok ahora alberga diversos lugares como Cassette Music Bar, que se centra exclusivamente en la música tailandesa de los noventa.
Según Maft Sai, el número de lugareños en sus fiestas ha aumentado gradualmente en los últimos años, especialmente ahora que su banda realiza giras internacionales. “En todo el sudeste asiático, el público en general parece seguir una tendencia solo después de obtener la aprobación de otros países”, dijo con una sonrisa irónica.
De cara al futuro, la pandemia podría ser el catalizador de un amplio cambio social. Con la vida nocturna en la región en su mayor parte cerrada y muchas personas suspirando por la energía sanadora de la pista de baile, existe la posibilidad de que el público en general aprecie más los sonidos indígenas una vez que las fiestas se reinicien por completo. El tiempo dirá.
