A veces, grabar una mezcla puede resultar estresante. Pero con una planificación clara y las mejores prácticas en mente, debería ser un proceso divertido y productivo.
Para la mayoría de los DJ aficionados, mezclar es un estado de juego, una forma de desconectar y conectar con la música, solos o con amigos. Si llevas un tiempo mezclando, los movimientos surgen de forma natural. Puede ser fácil entrar en una zona en la que actúas sin pensar, pinchas la música que te gusta y tomas decisiones y conexiones de forma medio consciente, que incluso pueden sorprenderte en el momento. Este estado relajado de creatividad es una de las razones por las que nos encanta pinchar.
Sin embargo, grabar una mezcla puede ser otra historia. De alguna manera, una vez que pulsas el botón rojo, todo puede volverse muy poco relajante. La simple pregunta «¿Qué me apetece escuchar ahora mismo?» se sustituye por pensamientos angustiosos como «¿Es éste realmente mi sonido como DJ? ¿Me gusta alguna de estas canciones? ¿Por qué es tan difícil?
Incluso los DJ más experimentados se van al infierno y vuelven grabando una hora de música con la que se sienten a gusto. Es habitual, aunque un poco insano, hacer docenas de tomas en busca de una mezcla sólida. Al final, todo puede parecer más una tarea de Sísifo que un divertido proyecto de fin de semana.
Estamos aquí para decirte que no tiene por qué ser así. Tanto si estás grabando una mezcla para una serie de podcasts, para compartirla con unos amigos o simplemente para escucharte a ti mismo y perfeccionar tu arte, el objetivo debe ser un proceso divertido y productivo.
Aquí tienes algunos métodos sencillos para conseguirlo.
Intenta recopilar una extensa lista de reproducción, o un conjunto de ellas, sin ningún concepto en mente. Dedica un tiempo a navegar por tu biblioteca a un ritmo tranquilo, preferiblemente en varias sesiones. Busca cualquier cosa que te diga algo en ese momento.
No te lo pienses demasiado: podrás recortar tus selecciones más adelante. De momento, lance una red amplia y vea lo que pesca. Piensa menos en lo que le parece guay o impresionante a tu público imaginario (si es que lo tienes) y más en cómo te hace sentir cada canción. Citando a la gurú del orden Marie Kondo: ¿suscita alegría? Si es así, mételo en el montón. Si no, déjala a un lado.
Aparta las canciones que no conozcas tan bien. Familiarízate con ellas fuera del contexto de una mezcla. Ponlas en tu teléfono. Escúchalas mientras cocinas, limpias o haces ejercicio. Es esencial que escuches tus temas, sobre todo los que no conoces tan bien, sin mezclarlos. Prestarás más atención y te harás una idea más clara de cómo funcionan -cuál es su nivel de energía, cuándo se producen los cortes, qué tipo de estado de ánimo evocan-, así como de tu propia conexión con ellas y, lo más sencillo, si te gustan lo suficiente como para incluirlas en tu mezcla.
Lo extraño de grabar mezclas es que tienes un público (es decir, quien va a escuchar la mezcla), pero no lo ves y puede que no entiendas bien quiénes son, así que no puedes tocar para ellos en el sentido tradicional.
Hay formas de evitarlo. Una es elegir un público imaginario. Imagina que tocas para el público de una fiesta que recuerdas. O imagina que tocas para un amigo o un grupo de amigos y deja que eso guíe tus selecciones. Si estás solo, intenta vibrar con tu entorno y tu estado de ánimo de la misma forma que lo harías siempre mientras pinchas. Haz que la mezcla sea un documento del momento y el lugar en que se grabó: qué música era la adecuada en ese lugar y en ese momento. Esos detalles enraizarán la mezcla y la harán más real, aunque el público no sea consciente de ellos.
Es razonable considerar la mezcla como una declaración personal, una encapsulación de quién y qué eres como DJ. Esto, hasta cierto punto, siempre será cierto: cualquier mezcla que grabes es un artefacto de tu práctica y cualquiera que la escuche la tomará como una muestra de lo que haces. Pero como marco para una mezcla, la gran declaración personal es demasiado amplia, demasiado presionante. Si el objetivo es grabar algo que resuma a la perfección tu esencia como DJ -algo que de todos modos te costaría definir-, probablemente no estarás satisfecho con el resultado.
Sin embargo, es muy útil tener algún tipo de pauta mental o punto de partida. A veces surgen de forma natural a través del contexto. Si tu mezcla es un episodio de una serie de podcasts de un club o una fiesta, plantéate pinchar como lo harías allí. Si vas a hacer un programa de dos horas en una emisora de radio libre, quizá sea mejor aprovechar la libertad que ofrece ese formato y pinchar música ecléctica para gente que escucha en casa, sin pensar en la pista de baile.
En lugar de indicaciones externas, puedes inventar una tú mismo. Por ejemplo, la mezcla de mudanza de Andrew James Gustav, grabada en casa justo antes de mudarse a un nuevo piso (texto de apoyo: «bye bye landlord – the only way is up»). Es una inspiración sencilla y evocadora para una mezcla. En este caso, Gustav reveló su concepto, pero no hace falta. Incluso a escondidas del oyente, este tipo de cosas guiarán la mezcla y le darán personalidad.
Todas las mezclas de DJ se sitúan en algún punto del espectro. En un extremo está la mezcla de vinilo, completamente improvisada y grabada en tiempo real, con mínimas ediciones posteriores, si las hay. Este es el extremo «en directo» del espectro. En el otro extremo, tenemos algo compuesto totalmente con software, no grabado sino ensamblado, con todas las pistas cuidadosamente dispuestas como recortes de un collage o piezas de un puzzle. Este es el lado «estudio» del espectro.
El equilibrio entre estos enfoques depende tanto de la tecnología como del estilo personal del DJ. Mucha gente mezcla totalmente con una DAW, pero improvisa sobre la marcha. Alguien que mezcla con CDJ puede utilizar funciones como hot cues, loops preestablecidos y mezclas ensayadas tan a fondo que su mezcla está, en cierto modo, más cerca del extremo «estudio» que la mezcla de Ableton de otro DJ.
Sea cual sea tu zona de confort personal, merece la pena aventurarse un poco. Ambos enfoques ofrecen posibilidades creativas difíciles de imaginar hasta que no se prueban.
El método de grabación depende de la tecnología disponible y de tus gustos. Si mezclas con un controlador, basta con pulsar el botón de grabación del software. Si utilizas CDJ y giradiscos, puede que grabes desde tu mixer en una grabadora de audio externa o a través de una aplicación como DJM-REC, o quizás envíes el audio a tu ordenador a través de una interfaz de sonido.
Sea cual sea tu configuración, siéntete lo más cómodo posible con ella antes de grabar tu mezcla. No hay nada peor que pensar que has clavado una toma y luego escucharla y darte cuenta de que has mezclado con los niveles demasiado altos, te has quedado sin espacio en el disco a mitad de camino o -un clásico- no has podido grabar nada. Deberías estar tan familiarizado con tu tecnología que esas posibilidades ni se te pasen por la cabeza. Ya tienes bastante con la mezcla. El proceso de grabación debería ser algo que pudieras hacer mientras duermes.
Lo más inteligente es hacer una grabación de prueba antes de embarcarte en una toma completa, es decir, una grabación rápida, de entre diez segundos y unos minutos, que demuestre todas las entradas que utilizas para comprobar que todo funciona y suena como debe.
También es recomendable grabar con la mayor frecuencia posible, aunque sólo sea para practicar. Esto te ayudará a perfeccionar el aspecto técnico de tu proceso de una forma relajada, alejado de la tarea de una mezcla real, y desinflará la presión básica de ser grabado, que puede desconcentrarte. Y nunca se sabe, tal vez consigas algo que te guste. Las mezclas improvisadas para nadie más que para ti pueden salir incluso mejor que las que se hacen con mucha planificación e intención.
Las imperfecciones que no destacan tanto en una mezcla en directo tienden a aparecer con más claridad en una grabación. Uno de ellos son los niveles de volumen. Las bajadas y subidas de volumen de una pista a otra son más evidentes en una grabación que en un club, por lo que es importante mantener los niveles lo más uniformes posible.
Y aunque mezclar en rojo puede ser perdonable en algunas situaciones, cualquier recorte o distorsión hará que una mezcla grabada suene descuidada. Mantente seguro en los tonos verdes y amarillos: siempre puedes aumentar el volumen general de la mezcla una vez que hayas terminado (más adelante hablaremos de ello). Un método sencillo mientras mezclas es elegir un buen nivel de salida -por ejemplo, la penúltima luz de los amarillos- y ajustar la ganancia o el recorte de cada melodía para alcanzarlo.
Muchos DJ rara vez, o nunca, piensan conscientemente en las tonalidades musicales mientras mezclan. Pero un choque de tonalidades entre dos pistas puede arruinar tu mezcla de forma tan calamitosa como un choque de trenes. En un sistema de sonido, este tipo de cosas pueden pasar desapercibidas, sobre todo si el choque se produce en un punto bajo de la mezcla y no dura demasiado. En una mezcla grabada, sin embargo, puede merecer la pena hacer un esfuerzo adicional para considerar la compatibilidad musical entre las pistas.
Por supuesto, en caso de duda, puedes terminar la transición antes de que aparezcan los elementos melódicos o armónicos de la nueva pista (una de las razones por las que puede ser útil colocar hot cues en esos puntos para verlos venir mientras mezclas). Pero mezclar en clave es bastante fácil de aprender, y hará que cualquier mezcla grabada suene más suave (si eso es lo que buscas) y más profesional.
Aunque nunca hayas tocado un instrumento ni aprendido teoría musical, no deberías sentirte intimidado por palabras como «clave» y «escalas». Todo esto es bastante sencillo, especialmente con la ayuda de la tecnología de detección de tonalidad, una función incorporada en rekordbox. Quizá profundices en las técnicas de mezcla armónica, o quizá sólo llegues a una comprensión básica de qué teclas van juntas. En cualquier caso, tener esto en cuenta puede llevar tus mezclas grabadas al siguiente nivel.
Algunas personas planifican sus mezclas grabadas hasta el más mínimo detalle, con cada transición trazada y ensayada. Otros simplemente cogen un montón de discos, graban y a ver qué pasa. Tu posición en este espectro depende de tu estilo personal. Pero te recomendamos que encuentres un término medio. Establece un plan flexible, deja espacio para la improvisación y prepara tu música de forma que la espontaneidad resulte fácil y divertida.
Por «preparar» entendemos organizar las pistas en listas de reproducción y analizarlas. Asegúrate de que sus retículas están ordenadas en rekordbox. Intenta colocar pistas en momentos clave: puntos en los que podría funcionar una transición, por ejemplo, o marcar el momento en el que entra un gancho. Cuanto mejor prepares tus temas, más fácil te resultará pensar y tomar decisiones creativas sobre la marcha.
Haz varias tomas. Prueba algo diferente cada vez. Si no sale bien, haz retoques. Antes de cada toma, haz lo posible por evitar distracciones o sorpresas desagradables. Si estás mezclando con un controlador o un DAW, asegúrate de que el ordenador está conectado a una fuente de alimentación y cierra las aplicaciones que puedan causar notificaciones. Considera la posibilidad de desconectarte de la red Wi-Fi y poner el teléfono en modo avión.
En poco tiempo, deberías tener un archivo RAW para una mezcla con la que estés relativamente contento. Pero aún no has terminado.
Independientemente de lo bien que te sientas con tu toma final, querrás hacer una ligera edición posterior. Con unas sencillas técnicas de edición, puedes convertir tu mezcla en algo de lo que te encantará presumir.
Lo más básico que querrás limpiar en prácticamente cualquier mezcla grabada son los niveles de volumen. Como hemos dicho antes, quieres grabar con tus salidas a salvo de los rojos, pero el producto final debe tener el mismo volumen que lo que el oyente escuche antes o después. Subir el volumen de todo el archivo en un DAW o software de edición de audio es una solución rápida y fácil.
Probablemente también quieras normalizar los niveles. Aunque no pierdas de vista los canales, es probable que haya picos y bajadas de volumen en algún punto de la mezcla, creando pausas o saltos de energía. Esto también tiene fácil solución, incluso si no tienes experiencia con la edición de audio. Sea cual sea la DAW que utilices, con una rápida búsqueda en YouTube aprenderás rápidamente a ajustar el volumen de una parte específica de un archivo.
Lo que estamos describiendo aquí es básicamente compresión manual: el proceso de reducir el rango dinámico de tu mezcla para que suene más cohesionada. También puedes hacerlo automáticamente utilizando plugins o funciones integradas en DAWs y otros programas. No obstante, conviene proceder con cautela. Utilizada correctamente, la tecnología de compresión puede hacer que tu mezcla suene completa, con garra y limpia. Pero también puede restarle vida a la mezcla (al fin y al cabo, sigue siendo deseable un cierto rango dinámico). Si utilizas algún tipo de software para comprimir tu mezcla, compara cómo suena antes y después para asegurarte de que el resultado suena mejor en general.
Esto puede parecer controvertido para algunos, pero los métodos de edición de audio básicos abren otra opción muy potente: unir partes de diferentes tomas. Puede que los puristas se burlen y digan que la mezcla debe captar tus habilidades tal y como son, sin embellecerlas; si una transición cerca del final ha quedado un poco rara, puedes vivir con ello o volver a grabarla entera.
No vamos a entrar aquí en los matices de este argumento. Basta con decir que es perfectamente normal grabar una mezcla y sentirse bien con todo el conjunto… excepto con una o dos mezclas que te hayan hecho estremecerte un poco. Podrías volver a grabar desde el principio para corregir esa parte. O puedes grabar una nueva toma, empezando en algún punto cercano a la sección que te gustaría cambiar, conseguir que suene como quieres y luego cambiar esa sección en tu archivo original. Una forma fácil de hacerlo es elegir un tiempo específico que sea fácil de encontrar -por ejemplo, el principio del primer compás al principio o al final de un breakdown- y hacer que ese sea el punto en el que coses tu nueva toma con la anterior.
Permitirte ese tipo de edición posterior a la mezcla es una cuestión de estilo personal y, nos atreveríamos a decir, de filosofía, que depende totalmente de ti. En cualquier caso, esto nos lleva a nuestro último consejo. Pero antes…
Una mezcla con título es automáticamente más interesante que una sin él. No tiene por qué ser nada del otro mundo, sólo algo que despierte el interés y dé una pista de lo que contiene. Ya sea algo específico, como «Old School Garage Anthems», o algo más abstracto, como «Winter Afternoon», despertará la curiosidad mucho más que, por ejemplo, «August 2023 Promo Mix». Si vas a publicar tu mezcla en Internet, elige una imagen que la acompañe. De nuevo, no tiene por qué ser nada especial: unas fotos borrosas de los platos pueden servir. La idea es dar personalidad a tu mezcla, incluso para quien aún no la haya escuchado.
En 1998, la desaparecida revista Muzik organizó un concurso de mezclas chill out. Los lectores enviaban sus contribuciones y la mejor se incluía en un CD que venía con la revista. Matt Edwards, ahora conocido como Radio Slave, pero por aquel entonces sólo un aficionado de 27 años de Brighton, envió una mezcla con al menos un error evidente: en un momento dado, parece que se equivoca de plato, lo que provoca un incómodo momento de silencio. Ganó el concurso y su mezcla sigue siendo un favorito de culto 20 años después.
Para ser justos, muchos de nosotros probablemente volveríamos a probar una mezcla con ese tipo de error. Aun así, cabe preguntarse: ¿cuántas grandes mezclas han sido relegadas al basurero de la historia por un DJ que simplemente no podía tolerar sus imperfecciones? ¿Y hasta qué punto esas imperfecciones molestan a alguien que no sea el propio DJ? Ante la disyuntiva de publicar una grabación con la que estás contento en su mayor parte (pero no del todo) o desecharla por completo y no publicar nada, lo más sensato sería publicar la mezcla. Una buena mezcla que existe es mejor que una perfecta que no existe.
Texto: Will Lynch
